zur Ausstellung

Von Präsenz spricht man. Meint den eindrucksvollen Auftritt. Bei Wendlands zeichnerischer Arbeit aber immer auch das Tempus, die Zeitform. Also Präsenz mit Betonung auf der zweiten und der ersten Silbe. Zeit, richtiger Tempi – im Plural – ist schon lange die Konstante in Wendlands Arbeit. Eine allerdings stets neu modulierte, schließlich choreographierte Konstante. Denn Tempi ist Plural vom musikalischen Tempo (nicht von der Zeitform tempus (!)). Also z.B. ‚Andante grazioso‘ oder ‚Presto‘. Kommt bei Wendland alles vor. Denn die Bewegung, ihr Tun, kann zu Beginn sehr langsam sein, langsam eher noch als bedächtig, dann bewegt, heftig bewegt und schließlich sehr schnell, geradezu fulminant. Eine sozusagen sich überschlagende Zeit, die es ja eigentlich gar nicht gibt.

Es soll um die Arbeiten gehen, mit denen Wendland ihre zweite Einzelausstellung bei Vincenz Sala bestreitet. Insbesondere Jahrgang 2026, aber nicht nur. Immer noch Zeichnung nur ist mancherlei dazugekommen: Pinsel, auch im übergroßen, selbst gezimmerten Format, Tusche und was es an Utensilien zu deren Anrichten und Verarbeiten so braucht. Auch eine andere Zeit. Meint ein umständlich-umsichtiges Anrichten der Tusche, dann der Utensilien; ein langer Vorspann zum schließlich plötzlichen Akt. Mit dem also die Zutat Zeit auf den großen Moment zusammensurrt.

Von Choreographie muss die Rede sein, weil, wie stets bei Wendland, es um einen komponierten Verlauf der Zeit geht. Um Tempi, die sie bisher mitunter auf mühsame Länge gezogen hat. Dafür mögen hier ebenfalls ausgestellte Arbeiten stehen: Ihre in langen Stunden, auch im eher kleineren Format, Punkt für Punkt ausgefächerten Kreise. Die rote Zirkelform in – fast scheint es – perforiertem Papier, das die mit dem Ausstechen des Kreises handwerkliche Arbeit als in der Zeit gestreckte Performanz vorstellt. Und doch hat dieser Kreis schließlich seinen Auftritt, glüht verhalten im Raum.

Mit Ihren jüngsten Arbeiten wird der Auftritt allerdings schließlich – eben das: fulminant. Natürlich hat es auch hier den langen Vorspann, die Zurichtungen von Pigment und Pinsel. Dann der kalkulierte Auftrag aufs Papier, der warten muss, bis sich das Liquide der Tusche im Pinsel fast schon verloren hat. Es ist eine andere Performanz, ein Tun zu einer anderen Melodie. Und es muss, wie ästhetische Theorie vorgab, Experiment sein, das noch den/die Künstler/in überrascht. Aus Ahnung und Einsicht hat Wendland mit der ihr eigenen streng beherrschten Konsequenz zu diesem komplex aufgesetzten Experimentieren gefunden. Ein Arbeiten, das im Spektakel kulminiert und dabei schließlich, fast einem Feuerwerk gleich, aufleuchtet.

Noch ein Wort zu Papier und Tusche. Die trägt Wendland mit diesen teils übergroßen Pinseln so auf, dass man meinen könnte, da sei ins Papier tätowiert. Eine Materialität der zum Pigment konvertierten Tusche, die noch einmal vom Skulpturalen richtig verstandener Zeichnung handelt. Wie Kohlenstaub und doch luftiger, ins Papier gravierter Dunst. Nicht mehr Rot! Blaue Tusche und es werden daraus blaue Wolken. Wendlands Zeichnung kann verblüffend schnörkellose, aufs Material reduzierte Schönheit. Und nun in Blau.

Es ist aber vor allem und wieder die Zutat Zeit und deren fein modulierte Dosierung; es ist Wendlands Performanz, mit den unterschiedlichen Tempi des Vorspanns und der Zurichtungen, die schließlich im Schlussakt kulminieren. Diese auf die Spitze getriebene Choreographie betreibt das Wagnis des Experiments, das mutig mit und gegen das Beherrschen-Wollen antritt und sich der sicher drohenden Überraschung stellt.

Nachsatz: Bei genauem Hinhören könnte man meinen, dass dieser Fortissimo-Schlag mit dem Becken in der Royal Albert Hall, auf den der ganze plot von Hitchcocks „The man who knew too much“ hinsteuert, noch leise nachklingt. Übrigens steht in der Neuverfilmung aus dem Jahr 1956 Bernard Herrmann selbst am Pult und das Stück mit diesem Becken-Tusch, komponiert von Arthur Benjamin, heißt passender Weise: Storm Clouds Cantata. Das Spektakel der Sturmwolken, dieser mitunter bedrohlichen Himmelserscheinung, noch im kleinen Format und nun in Blau.


on the show

It's about ‘presence’. Not just appearance, though. When it comes to Wendland’s drawings it's also the ‘tempus’, the present tense. Time – rather ‘tempi’ (the plural) – has long been a constant in Wendland’s work. A constant, however, that is constantly modulated, ultimately choreographed. For ‘tempi’ is the plural of the musical tempo (not of the grammatical tense ‘tempus’!); for example, ‘Andante grazioso’ or ‘Presto’. All of this occurs in Wendland’s work. For the movement, her action, can be very slow at the outset; then moving vigorously, and finally very fast, downright explosive. A time that, so to speak, is running wild.

This is on the works Wendland is staging for her second solo show at Vincenz Sala. Works mostly from 2026. It's still drawing, but new elements are coming in: brushes, including in oversized, self-made formats, ink, and whatever tools are needed to prepare and work with it. A different kind of time, too. Implying a laborious, meticulous preparation of the ink; then of the tools; a long prelude to the eventual sudden act. With which time as the key ingredient whirs towards the big moment.

We have to speak about choreography because, as always with Wendland, a composed passage of time is key. Tempi that, until now, have been drawn out to tedious lengths. Some earlier works, also exhibited here, may serve as examples: these circles fanned out point by point over long hours, still in a rather small format. The red circular form in – what may seem – perforated paper, presenting the manual labour of stitching the circle as a performance stretched out over time. And yet this circle finally makes its appearance, glowing subdued in the room.

In her most recent works, however, the appearance ultimately becomes just that: spectacular. Of course, here too there is the lengthy prelude, the preparation of ink, pigment and brush. Then the calculated application to the paper, which must wait until the liquid ink in the brush has almost completely dried up. It is a different kind of performance, an act set to a different melody. And, as aesthetic theory would have it, it must be an experiment that surprises even the artist. Through intuition and insight, Wendland has arrived at this complex, carefully constructed experimentation subjet to her typical, strictly controlled protocol. A process that culminates in the spectacular and, in the end, lights up almost like fireworks.

A final word on paper and ink. Wendland applies her shellac ink with these partly oversized brushes in such a way that one might think it had been tattooed into the paper. A materiality of ink converted into pigment that speaks once again of what eventually is the sculptural nature of drawing. Like charcoal dust, yet airier, a haze engraved into the paper. No more red! Blue ink, and it becomes blue clouds. Wendland’s drawing is of a stunningly unadorned beauty, reduced to the material itself. And now in blue.

But above all, and once again, it is this key ingredient of time and its finely modulated dosage; it is Wendland’s performance, with the varying tempi of the opening sequence and the preparations, ultimately culminating in the final act. This choreography, taken to the extreme, takes the risk of experimentation, boldly engaging with and against the desire to control, and facing the certainty of impending surprise.

Postscript: If you listen closely, you might think that the fortissimo crash of the cymbals at the Royal Albert Hall – the climax towards which the entire plot of Hitchcock’s 'The Man Who Knew Too Much' builds – is still faintly echoing. Incidentally, in the 1956 remake, the piece featuring this fortissimo crash, composed by Arthur Benjamin, and conducted by Bernard Herrmann himself, is aptly titled: Storm Clouds Cantata. Storm clouds as a potentially threatening celestial phenomenon, even in small scale and now in blue.