ISIDORE HIBOU | National Monuments

Berlin | 9. 5. - 30.5. 2015

Pour l’exposition National Monuments, Isidore Hibou a imaginé une série de photographies comme les reliques d’un ordinaire qu’on vit et qu’on ne voit plus. Le quotidien de la télé en veille, du dentifrice mal rebouché sur le rebord d’un lavabo, un détail qui fait sens, mais qu’on méprise un peu. De toute évidence, avant aujourd’hui, les événements ont toujours eu lieu ; on ne sait plus précisément lesquels.

Il y a certainement quelque chose de l’histoire : individuelle, collective, et forcément les deux. Il reste encore des rires derrière le papier tue-mouches ou le sac de litière, ou bien s’agit-il de drames. Mais le solennel cache toujours son visage. Quelque chose, en nous touchant, nous échappe invariablement. Il s’agit là de diasporas, de petits et grands départs, d’une certaine mise en scène du hasard. Elles font s’interroger, sourire, s’émouvoir : c’est l’affaire de tous, et les mues intimes d’une mémoire commune. C’est l’histoire d’un voisin, d’un vieil oncle, ou sa propre histoire... Toutes dépouillées qu’elles sont, il y a du monument dans ces images.

Leur origine elle-même (une sélection de photos extraites d’annonces immobilières) est une certaine fouille archéologique du présent. Mais les délimitations sont floues : l’absence n’est toujours qu’un moment tributaire d’une présence (passée ou à venir).


MYRIAM EL HAIK | still working ...

Paris | performance 13. to 15.12. at 7pm and 8pm

show from 13. to 22.12.

Du dessin qui reprend les disciplines corporelles de l'apprentissage, de l'écriture à la danse/performance où il est question de réapprendre son propre corps et sa propre marche. Voila le large spectre d'un bref passage de Myriam El Haïk à la Galerie Vincenz Sala.

Etre habité par une langue et lui résister. Comment, en décomposer le processus de pensée qu’elle inflige? Oublier et se remémorer en même temps : tenter de laisser agir (être) ce qui précède le langage et les connexions enfermées dans une logique de sens. S’approprier son corps, partant de ce qui nous est donné comme système, comme structure indélébile. Aller chercher dans le corps marqué par une culture, ce qui précède la violence de l’écriture et de l’image. Réapprendre à marcher. Chercher à habiter la forme abandonnée d’un corps immobile pour de nouveau se mouvoir, être debout et marcher, tout simplement.

Depuis la dernière exposition de Myriam El Haïk à la galerie, en novembre 2011, son champ d'action s'est bien élargi. La danse-performance, mais aussi l'installation-video s'ajoutent à ses créations et on ne s'étonne pas du retour à la composition musicale. Pourtant, sa démarche et le sujet restent parfaitement cohérents.

Vernissage le 13.12. de 18h à 21h.

Tine Steen  

Paris | 10.9. - 8.10.2011

Tine Steen is a Berlin artist with an intriguing approach to portraiture. Her work across different media and a broad range of materials evolves around an intimate exploration of the character of her models, all of whom are people close to her. She focuses on identifying and transcribing as closely as possible the essence of their personality within a narrative and descriptive space.

Vernissage le 10.9. de 18h à 21h.

Myriam El Haïk  | Cahiers de punition

Paris | 22.10. - 19.11.2011

Myriam El Haïk is a French-Moroccan artist, composer, and musician. Her more recent work explores repetitive writing. She uses colored felt-tip pens on paper, in her ‘cahiers de punition’, or directly on the wall. Simple signs that vaguely but explicitly refer to Arabic letters are lined up, right to left, top down. Monochromatic or superposed in layers of different colors the lined up signs create rhythmic fields. The signs tend to slip or shift a little, they become smaller, the intervals bigger, and broader rhythmic structures emerge between the superposed layers. Myriam El Haïk’s work is at the crossroad of minimalist drawing, performance, and polyrhythmic music. We’re back to the act of writing as a physical discipline that engages, informs and in its obsessive repetitiveness even forces the body. The results are of striking beauty.

Vernissage le 22.10. de 18h à 21h.

Christiane Seiffert | Imitation und Gespenster

Berlin | 29.10. - 26.11.

Christiane Seiffert is a Berlin artist and the first and most obvious thing to say about her work is that it’s really funny. And a lot more. Seiffert works in the tradition of living images and it’s just herself - with the help of a surprisingly versatile stock of accessories - impersonating found images, often photos of houses or street scenes, also flowers and other striking or not so striking photos and postcards. A strictly hilarious undertaking of understanding by animating the world with all we have - ourselves. As we know metaphor, in this case the metaphoric qualities of what is called ‘Witz‘ in German (which eventually is not that far from the English ‘wit’), is perhaps the most powerful intellectual tool to make this world meaningful - and by times just really funny.    

Opening 29.10. from 7pm.

Axel Lieber  | Pari

Paris | 3.12.2011 - 7.1.2012

There are a number of facets to Axel Lieber's sculptural work. Domestication, the conquest of this threatening world of day-to-day objects could be seen as one of the key threads. His cutting back (or out), blowing up, reformatting of objects to a new artistic size and order seems to be driven by a quest for not just intellectual command. Though, unsurprisingly also objects have their will and it is eventually Lieber’s attempt at their domestication that helps unchain this will. The objects (and not just those he reworked) return strangely animated and with a disturbing potential for causing not just amusing discomfort.

Vernissage le 3.12. de 18h à 21h.

Lucia Kempkes

Berlin | 7.1. - 28.1.2012

Eröffnung am 7.1. ab 19 Uhr.

Thomas Lélu  | It could be worse

Paris | 28.1. - 25.2.2012

Almost borderless territory. The in and out of Thomas Lélu’s aesthetic world is easy. Both ways hardly any controls - apparently. And putting aside concerns about the connotations, it’s tempting to speak of aesthetic bulimics. His work is more about linking than digesting, more on the receiving, the consumption end of the story. He doesn’t do a lot and most of his work never gets beyond the stage of a quick entry into a notebook. But he does it all the time. It’s his notebooks where the extensive use of language starts and comes from. A kind of language that survives the abundance of images. No need for much grammar, just in the face. By times Lélu slows down a bit. And that’s when these beautiful, almost intimate series like the one with the cut out postcards or the over painted nudes happen (both are on show). Which is not to say that this part of his work is any less conceptual than the rest (which in turn is not that conceptual either). It just reveals that eventually Lélu is a drawer, and the Lucky Luke type - drawing faster than his shadow. 

Vernissage le 28.1. de 18h à 21h.

Hans Hemmert  |  gowiththeflow

Paris | 10.3. - 7.4.2012

It’s not the first time in post-war history that Germany exports balloons. This time around a little more than 99 and Hans Hemmert’s balloons are a little more belligerent. A German “Haubitze” is back in Paris. But will not leave the gallery room. And even if it did it couldn’t do much harm. Hemmert got international acclaim for his yellow bigger than life balloons. He lived and worked (and drove a car) in some of them. More recently, and in a smaller than life dimension the ballon’s invasive tendencies became a little more explicit, surely friendly but intriguing, and turned into a firm concrete grip. Not that much more to say on the iconographic program. But much more to see - in Berlin the other part of Vincenz Sala’s first double act (below).   

Vernissage le 10.3. de 18h à 21h.

Hans Hemmert  | Berlin

Berlin | 10.3. - 7.4.2012

Ein ‘double act’ am Pariser und Berliner Spielort der Galerie, in Berlin auch ein Ausstellungsexperiment: Das Kabinett in der Helmstedter Strasse präsentiert sich als Arbeits- und Atelierraum. Kleine Skulpturen und Skulpturversuche sind genauso zu sehen, wie fertige Zeichnungen. Ideenausrisse aus diversen Zeitschriften und Textmaterial ergänzen Versuche, Arbeiten, die nicht zum Ende kamen, aber Einblick geben in Hemmerts Arbeitsweise und Ideenwelt. Hemmerts Spiel und Ernst haben in Paris zum Punkt gefunden. Und die Spielorte sind verschaltet. Wie Hemmerts Pariser Haubitze aus bunten Luftballons im Verlauf der Ausstellung die Luft ausgeht, kann man per Standleitung auf dem Monitor verfolgen. Nach 4 Wochen bleibt ein Häufchen bunten Elends.

Eröffnung am 10.3. ab 19 Uhr.

Tilo Riedel  |  mein Birkenstock Powerdresser abknöpfen

Paris | 5.5. - 2.6.2012

Tilo Riedel is railing. That has little to do with the fact that for most of his life as a visual artist Riedel went by and large unnoticed (his bio is telling). Whatever the reason, a few years ago language came into his work and immediately in the form of railing, cursing, and swearing, sometimes close to coprolalia (that well-known but rather rare symptom of the not so rare Tourette’s syndrome). Sigmar Polke’s painted ‘Schimpftuch’ springs to mind, but Riedel's undertaking goes much further. For quite a few years now he has been exploring the aesthetics of this railing, and that is not just about the intriguing poetic qualities of his railing chants. The chants are written down. On tape glued to a kitchen cupbord, or with a black marker on the paper bag of some bio shop, or they are typed on some left over piece of paper. Materials are crucial and over time the aesthetics of this railing took over, invaded an expanding work across different media mostly with found objects and images. It’s eventually the angry speed of this compulsive railing that gets to some sculptural truth about the dark sides of these poor materials. An arte povera, often funny, always very unsettling, and the soft-spoken Riedel turns out to be the master of railing. Railing that however remains what it is: an extremely vital way of relating to today's reality, well parts thereof. 

Vernissage le 5.5. de 18h à 21h.

Barbara Steppe  

Berlin | 5.5. - 9.6.2012

Eröffnung am 5.5. ab 18 Uhr.

FRITZ BALTHAUS | parisienne verte

Paris | 16.6. - 26.7.2012

Experimenten ähnlich, entfalten sich die Arbeiten von Fritz Balthaus als Reflektionen ihres Entstehungsprozesses und ihrer Ausstellungsumgebungen. So befassen sich seine Arbeiten immer auch mit den Routinen der Kunst selbst. Der Künstler bedient sich der vorgefundenen Situationen und Räumlichkeiten - thematisiert deren Bedingungen und Wirkungsmächte als sichtbare Kunstwerke. Kontext und Selbstreferenz heißt bei diesem Künstler auch sich und andere umgebungsbewußt einzubeziehen. Für die Ausstellung von Fritz Balthaus bei Vincenz Sala heißt das auch, die unterschiedlichen Umgebungssituation und Sphären der Galerie und deren Besuchenden aktiv einzubeziehen. Fritz Balthaus richtet einen umgebungsabhängigen Lichtraum ein, lädt vorgefundenen Galerieinterieurs ein, selbst Teil eines Kunstwerk zu werden und hebt die Grenze zwischen Interieur und Exterieur auf. 

Marina Zynkdach

Vernissage le 16.6. de 18h à 21h.

Interview with Fritz Balthaus

GROUP SHOW | only a part of

Berlin | 13.9. - 29.9.2012

In parallel to our participation in preview Berlin we are showing a selection of works of the gallery’s artists at our Berlin space. An excellent opportunity  to get an overview of the gallery’s program.

Opening 13.9. from 6pm.

PETER WÜTHRICH | les mots et les choses

Paris | 8.9. - 10.10.2012

Foucault didn't like the title. He would have preferred "L'ordre des choses" and was pleased that his German editor agreed. "Die Ordnung der Dinge" was the title of the German edition. But words do play a key role in Foucault's book and thinking. The order of things is in the way they are known and referred to. It's in the words, and it's a precarious order. Peter Wüthrich reads a lot. Books are his thing. They are his raw material and since many years his work has been with and about books. Obviously also about what they say, the story they tell. Which is about words and the precariously contingent of their trying and retrying to get to the order of things. Eventually it's the things and what we know about them that refer to the words. Words become like names, and their link to the things becomes as complex as that between a friend and the name, by which we call and recall him. In the foreword of "Les mots et les choses" Foucault goes back to a text of Borges, where he quotes a rather peculiar and indeed funny classification of animals in a certain Chinese encyclopaedia - and he goes back to that famous encounter between an umbrella and a sewing machine on a dissecting table.  Wüthrich's work adopts the surrealist syntax of such encounters, which on dissecting tables can't help suggesting some form of peculiar classification. Perhaps not as funny as the one Borges quotes but as much questioning and perhaps also belittling that idea of getting to the order of things. Wüthrich's work is not about that order, it's about words that are like friends' names. Just reference is not what counts, it's instead about how names help link to and befriend things. "Die Wahrheit über meine Freunde", the truth about my friends, was the title of an installation Wüthrich did in 2005. Luckily and inevitably a truth that is always on the run. But there is a lot of truth in that running.   

Vernissage le 8.9. de 18h à 21h.


Paris | 11.11. - 8.12.2012

La photo c'est d'abord du papier. Ce n'est surement pas la vérité 24 fois par seconde et encore moins la réalité. On le sait bien, l'instant arrêté dans la photo n'existe qu'en photo. Jamais cet instant n'avait été visible à quiconque. Et c’est en arrêtant violemment la réalité que la photographie arrive à l’image, l’image qui ne peut que prétendre vérité.

Gilles Raynaldy prend ses photos quand la réalité s‘arrête et non pas pour arrêter la réalité. Moins étonnant pour ses natures mortes, ses photos d'architecture et d'intérieurs presque toujours sans âmes qui vivent mais pourtant bien vivantes. Mais aussi en face de ses portraits et peut-être encore d'avantage on a cette impression d'être devant un présent qui va reprendre à tout instant. On voit bien la photo, le focus sur le visage et le reste dans un flou délicat. On voit ce tirage exquis en blanc et noir. Pas de prétention d’être autre chose qu'une photo bien travaillée.  Et pourtant une représentation qui résiste à la violence de l’image. Encore différemment pour ses photos d'ouvriers. C’est bien des corps en action sur leurs chantiers et à leurs rythmes mais comme suspendus dans un moment d’équilibre de la chorégraphie de leur métier. Des photos qui pourraient faire penser aux images d’August Sander seulement sans aucune utopie sociale.

C'est que Gilles ne fait pas d'images mais des photos qui ramènent à la réalité qui est tellement difficile à saisir. Elles n'insistent pas sur son regard mais font appel au regard du spectateur. Gilles est trop observateur pour prétendre cette vérité toujours forcée de l'image, et trop honnête pour prétendre objectivé et absence. Il est bien présent dans cette photographie méticuleuse, même scrupuleuse. Peu importe qu'il s'agisse d'architecture, d'intérieurs ou de portraits, c'est une photographie qui s'engage à tout prix et avec un respect pour ses sujets trop investi et soucieux pour ne pas être par moment anxieux.

Vernissage le 11.11. de 18h à 21h.

Berlin | 1.11. - 24.11.2012

Georg Zeys Skulpturen und Objekte beziehen Bekanntes mit trockenem Humor in einen abstrakten Zusammenhang. Sie setzen den Rahmen für einen Sinn, den ihnen allein der Betrachter zu geben vermag. Ebenso konstruiert wie zufällig, sind sie gleichzeitig streng und verspielt. Autos werden zu Faltobjekten, Landschaften unleserlich, Unordnung verkehrt sich in Ordnung und Ordnung wiederum in Unordnung, was organisch daher kommt ist künstlich, was schwer scheint ist in Wahrheit federleicht oder eben genau anders herum, dann wieder ist das, was man von Weitem noch so gut erkannt hat, von Nahem nicht mehr sich sichtbar. Immer geht es um den Blickwinkel, um Fülle und Detail. Die Kunst von Georg Zey hat etwas von einer Wundertüte. Nie weiß man, wonach man greift, nie ist man sich ihrer sicher. Deshalb wird sie auch bei längerer Betrachtung nicht langweilig. Gleichzeitig hält sie sich aber auch dezent zurück, springt einen nicht an, quatscht einen nicht manisch und selbstherrlich zu und behauptet erst gar nicht sich und die Welt besser zu verstehen, als man zum Beispiel sich selbst und die Welt versteht und das macht das Leben mit ihr sehr angenehm.(…)

Auszug aus einem Text von Jan Peter Bremer, 2012

Eröffnung am 1.11. ab 19 Uhr


Paris | 10.1. - 16.2.2013

Christiane Seiffert is a Berlin artist and the first and most obvious thing to say about her work is that it’s really funny. And a lot more. Seiffert works in the tradition of living images and it’s just herself - with the help of a surprisingly versatile stock of accessories - impersonating found images, often photos of houses or street scenes, also flowers and other striking or not so striking photos and postcards. A strictly hilarious undertaking of understanding by animating the world with all we have - ourselves. As we know metaphor, in this case the metaphoric qualities of what is called ‘Witz‘ in German (which eventually is not that far from the English ‘wit’), is perhaps the most powerful intellectual tool to make this world meaningful - and by times just really funny.

Vernissage le 10.1. de 18h à 21h.

ULLA HAHN | stunt

Paris | 10.1. - 16.2.2013

It’s not just the format. Ulla Hahn, as Christiane Seiffert, has been working with postcards for many many years. The liberties of Hahn’s painting them over are not that unsimilar from those Seiffert’s ‘doubles’ are taking. However, the respective trajectories are too different to insist upon some forced curatorial context. But we could try: Hahn draws us into an iconography that reappropriates the themes and grand gestures of the old masters, which Seiffert’s irony alludes to by rejecting them. The dramatic and most classical themes as for instance Lucretia’s suicide are reinvigorated by Hahn and drawn upon for tales on the psychopathology of (modern) everyday life. Seiffert’s double of a postcard of the Lucretia, if there were any, would have done close to the same thing. But painting is a different story. Hahn’s postcard-sized miniatures dare all the beautiful delicacy we would have thought impossible already 20 years ago. Watch them.

Vernissage le 10.1. de 18h à 21h.

BENEDIKT TERWIEL | trace elements

Berlin | 23.2. - 23.3.2013

The work of Benedikt Terwiel is filled with graphs, maps, templates, and measurements, all of which demonstrate an interest in analytic and scientific methods of organizing and representing the visual world, specifically how we as individuals move in space and react to our specific surroundings. This method of organizing information is visually reductive but conceptually expansive, in that it offers the viewer the possibility of thinking about space—a landscape, a room, a city, and so on—in a manner that is not tied to any specific narrative (although surely, narratives are always present, if surreptitiously). In his most recent body of work Terwiel coats various domestic objects—for example, a kitchen cabinet, a countertop, or a table—with a layer of carbon dust and then transfers all traces of human interaction with this object onto paper, in what is a very meticulous process that visualizes (albeit in a hi ghly abstract form) the choreography of a domestic situation. For this exhibition, he will produce a sites-specific work in the gallery based on this method.

Opening 23.2. from 7pm.

ANNE-FLORE CABANIS | SUM ou la mise en
mouvement de la pensée

Paris | 9.3. au 13.4.2013

L’exposition d’Anne-Flore Cabanis à la galerie Vincenz Sala s’articule selon quatre propositions artistiques qui font intervenir le dessin, la vidéo, l’installation et la performance, quatre pratiques solidaires et complémentaires au moyen desquelles elle questionne la matière de l’art, le rôle de l’artiste et la réception par le spectateur.

Considérant que ces questions font appel à des notions figées, d’un côté, l’œuvre achevée et, face à elle, le spectateur plus ou moins passif, Anne-Flore Cabanis a conçu l’exposition de manière à créer un mouvement qui instaure une relation vivante entre l’œuvre, l’artiste et le spectateur. Il s’agit pour cela, de ne pas dissocier ce dernier de ce que l’artiste donne à voir et d’articuler, par conséquent, le temps de l’œuvre, le temps de voir et le lieu d’exposition.

SUM, ou la mise en mouvement de la pensée qui se déplace de l’œuvre au spectateur dans l’unité et le lieu mis en place par l’artiste.

Vernissage le 9.3. de 18h à 21h.


Paris | 25.4. - 4.5.2013

Performances on 25, 26 and 27 April

With the show and the performances of Natalia Jaime-Cortez the gallery continues the presentation of a series of artists pursuing both and in a combined fashion drawing and performance. After Anne-Flore Cabanis in March 2013 and the last presentation of Myriam El Haïk at Drawing Now in April 2013 it’s now Natalia Jaime-Cortez’ turn. What’s cutting across these three otherwise very different artistic positions is a practice of drawing that crucially engages the body and is in itself action of the artist’s in time and space. Less ephemeral but eventually belonging to the same family it is not surprising that this practice of drawing leads and goes back to the performance as an artistic expression that has been moving up the agenda again over recent years.

The gallery will pursue this programatic line and Marc Rossignol from Brussels is the next artist performing and showing his work in June 2013.   

Vernissage le 25.4 de 18h à 21h.

BARBARA WILLE | White Balance

Berlin | 14.4. - 15.5.2013

Fotointarsien von Barbara Wille

White Balance ist das, was man am Photoapparat einstellt, wenn man möchte, dass eine weiße Wand auf dem Foto auch weiß erscheint. Denn das tut sie meist mitnichten. Die weiße Wand nimmt alles in sich auf, was um sie herum vorhanden ist. Das Wetter, einen roten Pullover, eine gelb gestricheneHauswand auf der Straßenseite gegenüber. Die weiße Wand ist eine Konvention des Zeigens und als solche ein wesentliches Motiv in Barbara Willes Fotointarsien. Fotografien der weißen Wand werden mit der stark gemaserten Oberfläche von Palettenholz kombiniert und ins Bild gesetzt. Dort nehmen sie den Platz zuvor fotografierter Modelle ein. Die maßstäblich verkleinerten Palettenmodelle wurden vor der weißen Atelierwand der Künstlerin installiert und fotografiert. Die Geste des Ausstellens wird somit motivisch bereits vorweggenommen. Je nach Tageslicht und Materialität der Modelle, und je nachdem, was sich sonst noch im Raum befindet, erscheint die Wand auf den Fotografien als atmosphärisches, lebendig strukturiertes Weiß, auf das die Modelle farblich differenzierte, vielgestaltige Schatten werfen. In diesen Schatten ist alles enthalten, was vom Raum und seinen Dingen widerscheint. Barbara Willes Fotointarsien entstammen somit zum Teil bereits der Sphäre des Bildes. Durch die Kombination fotografischer Oberflächen mit realen Objekten entsteht ein tautologisches Konstrukt, das der Wahrnehmung eine Art Hyperrealismus bietet: das Holz der Palette erscheint äußerst scharf und brillant wiedergegeben. Die unterschiedliche Maßstäblichkeit und das Verhältnis von Bildlicht und Raumlicht zur Plastizität des scheinbar Abgebildeten eröffnen überraschende Sichtweisen. Das Ding wird zu dem, was es zeigt: ein an einer Wand montiertes, palettenartiges Konstrukt. Und wiewohl man sofort die Natur des Machwerks durchschaut, begehrt man, sich der Täuschung erneut hinzugeben. Ein Trompe l´oeil der Fotografie.

FRANZ JYRCH | bonheur  

Paris | 16.5 au 15.6.2013

L’économie plastique mise en jeu par Franziska Jyrch font de ces installations des agencements fragiles qui se jouent de l’échelle dans leur modalité d’occupation de l’espace et dans leur rapport aux objets placés en posture insolite, sans mise en valeur particulière. Ils sont simplement là, identifiables mais cependant, leur présence dans ces installations génère une tension qui génère à son tour une image. “Les choses sont encore ce qu’elles sont mais simultanément deviennent autre chose” fait remarquer Franziska Jyrch.

En effet, dans ce moment de tension qui correspond au moment de la formation de l’image, ces objets ordinaires revêtent une autre dimension, une certaine étrangeté. On ne peut pas les regarder de la même façon. Ils s’entourent d’un certain mystère car ils se situent, ainsi que le souligne l’artiste “entre abstraction, représentation, image en devenir et simple chose banale”. Autrement dit, ils se retirent dans une autre dimension spatiale qui modifie la perception que nous avons de ces objets. Notre regard se concentre sur eux, les isole et c’estdans ce mouvement d’attention portée sur eux qu’ils font “image”.

Amelie Pironneau

Vernissage le 16.5. de 18h à 21h.

KNUT ECKSTEIN | 'oblique lines and fractured light'

Berlin | 18.5. - 15.6.2013

Knut Eckstein builds models. However, it is never really clear what these models are. There are aesthetic leanings: towards facades, gaps between buildings, boundaries of all kinds, as well as exterior architectural situations. In the end, they seem to quote all that the flaneur notices if he pays attention during his travels in this world and is interested in the ‘rear landscapes’ of our society. Eckstein’s models are utopias of the everyday; they come from the everyday and disappear into it again. They appear like fictional notations, constructed from cardboard, various adhesive tapes, wooden battens, neon lamps, the usual industrial materials. It always sounds so easy, but Ecksteins’s works offer projection screens; above all, because they programmatically withdraw from reality and simultaneously start from an actual, existing moment. This makes them fundamentally ambiguous in their attitude, for they remind one of something that they never really are. They are in a permanent condition of possibility. Can one explain it that way? Perhaps, for if we speak of a condition, we do not mean a selective but an atmospheric space, a space in which ambivalent perceptions have a place. In this terrain the optional qualities of KE’s works play a major role; and because this is so, or at least appears to be so, everything remains in limbo. (...)

Dorothea Strauss

Opening 18.5. from 7pm.

MARC ROSSIGNOL | Le chant des âmes retrouvées

Paris | 27.6. - 6.7.2013

Marc Rossignol (°1954, Namur; vit et travaille à Bruxelles) est un autre fieffé amateur de brouillage de pistes. Lors d'une performance aux allures de rituel, il récitera un poème (Le chant des âmes retrouvées) de François Cheng, tout en traçant (des deux mains) des lignes entrelacées inspirées d'un dessin sur le sable du peuple Tchokwe. Soit la respiration d'un poème et le jaillissement d'un tracé, pour raconter des histoires de morts et d'esprits qui reviennent. Soit une énigme combinatoire (de formes et de langages entremêlés) qui - comme les entrelacs complexes de Léonard ou de Durer - permet de saisir d'un coup d'œil l'énergie qui anime l'univers.

               Sandra Caltagirone

Vernissage le 27.6. de 18h à 21h.

KNUT ECKSTEIN | vitrine d’été

Paris | du 20.07. pendant tout l’été 2013

Vernissage le 20.7. de 18h à 21h.

(what you see you hope you get)

Berlin | 17.8. - 14.9.2013

Opening 17.8. from 7pm.


Paris | 12.09. - 12.10.2013

Hendricks started the project ‘‘Luxus Avatar” in 2009. Using the dataset from a 3D scan of his entire body a complete life-size figure of him was milled from a Ureol block. This forms the basis for an ever-evolving oeuvre: a parallel existence to that of the artist is arising as a sculpture that is completely financed by tax-deducted operating expenses. Luxus Avatar is gradually being furnished with everything that a person needs to live, all the goods purchased are luxurious in terms of quality and price. The precondition is annual financial statements by the artist stating profits which are then reinvested in working materials used for new parts for the sculpture.

Vernissage le 12.09. de 18h à 21h.

ISIDORE HIBOU | Monuments nationaux

Paris | 19.10. - 14.11.2013

Pour l’exposition Monuments nationaux, Isidore Hibou a imaginé une série de photographies comme les reliques d’un ordinaire qu’on vit et qu’on ne voit plus. Le quotidien de la télé en veille, du dentifrice mal rebouché sur le rebord d’un lavabo, un détail qui fait sens, mais qu’on méprise un peu. De toute évidence, avant aujourd’hui, les événements ont toujours eu lieu ; on ne sait plus précisément lesquels.

Il y a certainement quelque chose de l’histoire : individuelle, collective, et forcément les deux. Il reste encore des rires derrière le papier tue-mouches ou le sac de litière, ou bien s’agit-il de drames. Mais le solennel cache toujours son visage. Quelque chose, en nous touchant, nous échappe invariablement. Il s’agit là de diasporas, de petits et grands départs, d’une certaine mise en scène du hasard. Elles font s’interroger, sourire, s’émouvoir : c’est l’affaire de tous, et les mues intimes d’une mémoire commune. C’est l’histoire d’un voisin, d’un vieil oncle, ou sa propre histoire... Toutes dépouillées qu’elles sont, il y a du monument dans ces images.

Leur origine elle-même (une sélection de photos extraites d’annonces immobilières) est une certaine fouille archéologique du présent. Mais les délimitations sont floues : l’absence n’est toujours qu’un moment tributaire d’une présence (passée ou à venir).

Vernissage le 19.10. de 18h à 21h.

HALEH REDJAIAN | same same but different

Berlin | 19.10. - 16.11.2013

Opening  19.10. from 7pm.

DRAWING ON | group show

Paris | 13.3. - 5.4.2014

avec des dessins de Anne-Flore Cabanis, Frédéric Galliano, Natalia Jaime-Cortez, Jochem Hendricks, Myriam El Haïk, Lucia Kempkes et Alberto Sorbelli

Vernissage le 13.3. de 18h à 21h.


Berlin | 5. - 26.4.2014

with Myriam El Haïk, Axel Lieber, Thomas Lelu, Knut Eckstein, Francis Zeischegg, Adib Fricke, Benedikt Terwiel

Opening 5.4. from 7pm.

MARTIN PFAHLER | imprinting

Berlin | 10.5. - 7.6.2014

Opening 10.5. from 7pm.

IL ETAIT UNE FOIS ... | exposition collective

Paris | 17.5. - 21.6.2014

avec des photographies de Isidore Hibou, Tilo Riedel, Christiane Seiffert, Alberto Sorbelli, Pierre Sportolaro, Nathalie van Doxell.

Vernissage le 17.05.2014 de 18h à 21h.

CLOVIS NASDAQ | the chief

Paris | 28.6. - 12.7.2014

L’exposition de Clovis Nasdaq, articulée autour d’un thème générique, the Chief, sera composée de dessins, d’une installation et d’une performance. L’artiste occupera la totalité de l’espace de la galerie.                                                         

Vernissage le 28.6.2014 de 18h à 21h.

LUCIA KEMPKES | Mindscape Univers

Paris | 19.07. - 05.09.2014

Pour le deuxième volet de sa Vitrine d’été la galerie Vincenz Sala accueille Lucia Kempkes avec un projet qui se situe dans le prolongement d’un cycle de travail de l’artiste mené en 2013 autour de dessins cousus et de vidéos. Intitulé « Mindscape Universe », ce projet est centré sur la question de notre perception spatiale. Comment se repère-t-on ? Est-il encore possible de se situer seulement par la localisation de son propre corps alors que l’on Skype avec une personne qui se trouve dans une autre partie du monde ?

Le concept de « Mindscape Universe » tente de répondre à ces questions en dessinant les contours d’un paysage mental par le biais de l’imagination articulée à la présence physique dans un lieu donné. Lucia Kempkes le définit ainsi : « Mindscape Universe est un mode de perception ouverte de l’intérieur vers l’extérieur – Réflexion/Projection ». Son projet repose donc sur l’interaction et le partage de l’expérience créatrice. La galerie sera transformée en véritable base expérimentale. Chaque jour, le visiteur sera invité à participer à une nouvelle expérience.

Vernissage le 19.7. de 18h à 21h.  


Paris |11.09. - 26.10.2014

Après une série d’expositions consacrées au dessin contemporain qui ont permis de mettre en exergue le lien paradigmatique entre cette pratique et la performance, la galerie Vincenz Sala présente un ensemble de dessins d’Alberto Sorbelli.Depuis de longues années cet artiste développe une oeuvre qui repose également sur cette dualité.

L’exposition fera une large place aux troublants dessins de fleurs, fleurs-animal, fleurs sexuées. Dans cette série récente de dessins montrés pour la première fois, Alberto Sorbelli s’empare avec audace de ce motif qui a constitué pour les artistes depuis toujours, cette « vision première essayée dans la fleur » évoquée par Odilon Redon.

Vernissage le 11.9. de 18h à 21h.

MYRIAM EL HAIK | Time lines

Berlin | 27.9. - 25.10. 2014

Opening 27.9. from 7 pm

AXEL LIEBER | Night on Earth     

Paris | 30.10. - 29.11.2014

KNUT ECKSTEIN | vitrine d’hiver

Paris | 20.12.2014 - 10.1.2015

Vernissage le 20.12. de 18h à 21h

BARBARA STEPPE | Hier, ce soir

Paris | 17.1.2015 - 21.2.2015

L’installation intitulée Routine II est emblématique du travail de cette artiste berlinoise qui repose sur une analyse de la vie quotidienne d’individus. Pour cela, elle explore le thème de l’écoulement du temps, de ce qui se répète ou de ce qui perturbe cette “routine”.

Tout l’enjeu de l’installation est de rendre compte des différents aspects qui ponctuent le temps.

La mise en place de ce projet a comporté trois phases. Tout d’abord, Barbara Steppe a demandé à vingt personnes du monde de l’art de se rappeler une journée de travail du mois de novembre 2013, en respectant un protocole précis: mentionner toutes leurs activités, l’heure exacte et la durée de la tâche pendant 24 heures.

Dans la seconde phase, ces “emplois du temps” ont été lus par les auteurs respectifs et enregistrés en studio. Enfin ces enregistrements ont été segmentés et rassemblés pour correspondre au temps imparti dans le protocole, 48 mn.

Vernissage le 21.3. de 18h à 21h.


Berlin | 6.12.2014 - 3.1.2015

Opening 6 December at 7 pm.

De l’écriture de l’écriture | une proposition de Klaus Speidel

Paris | 21.3. - 18.4.2015 

avec Lina Ben Rejeb, Jean-Michel Espitallier, Myriam El Haïk, Jean-Christophe Norman,  Igor Sacharow-Ross, Chiara Zocchi

écriture n. f.

1. Représentation de la parole et de la pensée au moyen de signes graphiques. 

2. Acte d'écrire des textes, des œuvres. 

L’action d'écrire a-t-elle un sens indépendamment du contenu produit ? Une signification qui apparaîtrait dans la ligne écrite elle-même ? Les artistes et poètes de l'exposition mettent en tension la signification lexicale des mots et le fait même de l’écriture. 

Vernissage le 21.3. de 18h à 21h.


Paris | 25.4. - 23.5.2015

Le travail de Nathalie van Doxell se fonde sur la réappropriation de faits de société ayant une dimension sociale, politique ou historique. Elle photographie des lieux et des objets de manière à faire exister autrement les événements, avec la volonté de créer un espace visuel narratif hors du temps médiatique. Les clichés réalisés ne comportent en effet aucune légende, afin de produire une contre-fiction du sensationnel. Leur dépouillement et leur sobriété nous invitent dans un espace où l’imaginaire personnel du spectateur peut se glisser. 

Vernissage le 25.4. de 18h à 21h.

TOM FRÜCHTL | reverb

Berlin | 20.6. - 11.7. 2015

Opening 20.6. from 7pm.

PIERRE SPORTOLARO | ça pourrait être moi

Paris | 30.5. - 20.6.2015 

Le travail de Pierre Sportolaro pose obsessionnellement, et à travers des séries toujours en cours, des questions sur le temps, le voyage et les métamorphoses. Des thèmes qui par amalgame, récurrence et recoupement permanent élaborent notamment une quête identitaire que révèle l’intitulé de l’exposition : ça pourrait être moi.

Une identité qui se perd dans le temps et dans l’espace social, qui se déplace, qui s’efface dans le souvenir pour renaitre sous d’autres traits. D’où cette dimension de la trace présente dans cette série de travaux. Réalisés avec une économie de moyens, ils ont valeur d’indices qui dessinent une sorte de portrait dispersé de l’artiste dont est absente toute affirmation de soi voire une affirmation fragile, fragmentée, tourmentée lorsqu’elle tente de se cristalliser. Une conception de l’identité proche de la formule rimbaldienne « Je est un autre ».

Vernissage le 25.4. de 18h à 21h.

KNUT ECKSTEIN | colorangst - save our souls
Berlin | 12.9. - 10.10. 2015
Opening 12.9. from 7pm. Vincenz_Sala.htmlshapeimage_21_link_0

PETER WÜTHRICH | Peter Wüthrich & friends

Paris | 7.11. - 5.12.2015 

Vernissage le 7.11. de 18h à 21h.

Berlin | 7.11. - 5.12. 2015
Opening 7.11. from 7pm.


Paris | 12.12.2015 - 9.1.2016 

Vernissage le 12.12. de 18h à 21h.


Paris | 30.1. - 27.2.2016 

Vernissage le 30.1. de 18h à 21h.

JEAN-CHRISTOPHE NORMAN | We’re still not returned

Paris | 19.3. - 30.4.2016 

Vernissage le 19.3. de 18h à 21h.

NOTATION | exposition collective

Paris | 21.5. - 18.6.2016 

avec Oliver Augst, Myriam El Haïk, Sven-Åke Johansson, Damien Marchal et Jacob Reymond

Depuis plusieurs années une ligne importante de la programmation de la galerie Vincenz Sala se situe dans l’exploration des liens qui existent entre l’écriture, le dessin et la performance. L’exposition de groupe « De l’écriture de l’écriture » présentée par Klaus Speidel ainsi que les expositions personnelles de Myriam El Haïk et de Jean-Christophe Norman en ont été à ce titre l’illustration.

Loin d’avoir épuisé le sujet il nous est apparu intéressant et en effet nécessaire de passer de l’écriture des lettres, des mots et des phrases à l’écriture de la musique, à la notation. La notation musicale se situe dans un champ de référence bien différent et plus complexe mais notre intérêt est toujours d’explorer les liens entre cette autre écriture, le dessin et la performance. L’exposition de groupe « Notation » est une première tentative. Elle rassemble les travaux de cinq artistes qui de façon très variées mettent en évidence le jeu entre la discipline d’écriture, la liberté d’invention mais aussi la liberté de lecture et d’interprétation auquel la notation musicale peut donner lieu.

Vernissage le 21.5. de 18h à 21h.

KNUT ECKSTEIN | Habiter le pli de la vague

Paris | 2.7. - 17.9.2016

Intitulée « Habiter le pli de la vague » en référence au célèbre cours du philosophe Gilles Deleuze, l’exposition introduit la question du mouvement au sein de la création artistique comme la possibilité de transcender l’espace temps. Mouvement d’enroulement / déroulement à partir duquel Knut Eckstein, à l’image du surfeur, conçoit sa pratique artistique comme étant en perpétuel renouvellement, en perpétuel devenir.

Les installations faites à partir de matériaux divers (bambou, cartons, rubans adhésifs, lattes de bois) présentent une complexité et une fragilité qui interrogent l’ambivalence de nos perceptions.  

Vernissage le 2.7.2016 de 18h à 21h.


Berlin | 15.10. - 29.10.2016

Opening 15.10.2016 from 7 pm.


Paris | 15.10. - 19.11.2016

Dans l’exposition A B C E conçue à partir de sa pièce musicale Toy Toy!, Myriam El Haïk expérimente le caractère infini de la répétition et interroge, à travers celui-ci, la dimension du jeu dans le processus de création.

Toy Toy ! a d’abord été écrite pour 2 toy pianos (pianos jouets) - une pièce semi-ouverte construite à partir d’un motif au rythme simple formé de quatre notes - A, B, C, E ou LA, SI, DO, MI. Inspirée par un rythme pratiqué dans les cérémonies festives marocaines traditionnelles, la pièce s'inscrit dans l’esthétique minimaliste répétitive de la musique contemporaine.

Ce jeu avec le motif ABCE se retrouve au fil de l'exposition.A la fois ludique et pédagogique, A B C E est une proposition pour un art de vivre.

Vernissage le 15.10.2016 de 18h à 21h.

MARC ROSSIGNOL | Point de retour sans aller

Paris | 3.12.2016 - 7.1.2017

Vernissage le 15.10.2016 de 18h à 21h.

AXEL LIEBER | Teil und Ganzes

Berlin | 5.11. - 3.12.2016

Opening 5.11.2016 from 7 pm.

KÄTHE KRUSE | cuir, cheveux et photographie

Paris | 28.1. - 18.3.2017 

Vernissage le 28.1. de 18h à 21h.

mehr und mehr und mehr und mehr

Berlin | 11.2. - 18.3.2017  

Opening 11.2. from 7 pm.

JACOB REYMOND | Cage 4’33 (et d’autre partitions)

Paris | 15.4. - 13.5.2017 

Depuis plusieurs années une ligne importante de la programmation de la galerie Vincenz Sala se situe dans l’exploration des liens qui existent entre l’écriture, la notation musicale, le dessin et la performance. Les expositions de groupe « De l’écriture de l’écriture » (en Mars 2015) et « Notation »  (en Mai 2016) ainsi que les expositions personnelles et les performances de Myriam El Haïk (en 2011, 2012, 2014 et 2016), d’Anne-Flore Cabanis (en 2013), de Natalia Jaime-Cortez (en 2013, 2015, 2016), de Marc Rossignol (en 2013 et 2015) et de Jean-Christophe Norman (2015) en ont été à ce titre l’illustration. 

Loin d’avoir épuisé le sujet, la galerie présente à partir du 15 avril Jacob Reymond (qui avait déjà participé à l’exposition « Notation »), avec une exposition personelle sous le titre « Cage 4’33 (et d’autres partitions) ». Pour characteriser l’espace particulier qu’occupe le travail de Jacob Reymond entre musique et art plastique, le musicologue Jacques Amblard écrit dans son essai « Jacob plasti(musi)cien » consacré exclusivement à l’artiste: « … le caractère personnel n’est pas dans le décodage du temps, qui reste potentiellement l’universel - de gauche à droite et de haut en bas. Ce que perd Jacob en personnalité du code temporel, il le gagne en évidence du décodage. Or, ce décodage est celui d’une nouvelle (et là est le caractère personnel) révélation de l’interface musique/peinture (et non plus seulement musique/couleur). »

Vernissage le 15.4. de 18h à 21h.


Paris | 20.5. - 17.6.2017 

Vernissage le 20.5. de 18h à 21h.

MYRIAM EL HAÏK | Into the Loop

Paris | vitrine d’été 2017 

Vernissage le 8.7.2017 de 18h à 21h.


Paris | 9.9. - 21.10.2017 

Preview le 9.9. de 14h à 21h | Vernissage le 16.9. de 18h à 21h.

MINIMAL EXTENSIONS | sixties versus contemporary

Paris | 10.9. - 25.10.2015

avec Getulio Alviani, William Anastasi, Gary Kuehn, Charlotte Posenenske, Peter Roehr, Remy Zaugg versus Georg Herold, Gregor Schneider, Jochem Hendricks, Myriam El Haïk, Jean-Christophe Norman, Pierre Sportolaro, Axel Lieber, Barbara Steppe

Dans le programme de la galerie le minimalisme des années 60 est une référence incontournable et récurrente. D’ou l’intérêt de confronter dans cette exposition collective deux générations d’artistes. Il s’agit d’explorer les correspondances et les tensions entre des oeuvres représentatives des avant-gardes des années soixante et des oeuvres plus récents entre autre des artistes clés de la galerie. Ce caractère historique donnera la possibilité de porter un nouveau regard sur les ruptures formelles opérées durant les années soixante et, dans le même temps, de découvrir comment elles continuent à marquer fortement la production artistique d’aujourd’hui.

Vernissage le 10.9. de 18h à 21h

Pascale Clark | 6 am bonjour

Paris | 12.4. - 10.5.2014

Chaque jour, depuis le taxi qui la conduit à son travail, Pascale Clark, journaliste, fait une série dephozographies avec son téléphone portable. Une fois à la Maison de la Radio, elle en choisit une qu’elle diffuse immédiatement sur Twitter. L’exposition présente une trentaine d’èpreuves d’un esthétique et d’un rituel de passage matinal intimement liés à cette petite machine numérique qui nous est devenue un compagnon indispensable.

Vernissage le 12.4. de 18h à 21h.                              

THOMAS LELU | formes diverses

Paris | 11.1. - 15.2.2014

Vernissage le 11.1. de 18h à 21h.

EDITION Ä | zu Gast bei Vincenz Sala

Berlin | 17.1. - 1.2.2014

Eröffnung 17.1. um 20 Uhr.


Paris | 4.11. - 9.12.2017 

Vernissage le 4.11.2017 de 18h à 21h.

aufzeichnen ... group show | 6.10. - 3.11.2018

with works by: Richard van der Aa, Fritz Balthaus, Anne-Flore Cabanis, Ursula Döbereiner, Knut Eckstein, Myriam El Haïk, Tobias Eyferth, Hans Hemmert, Jochem Hendricks, Natalia Jaime-Cortez, Lucia Kempkes, Käthe Kruse, Ulla Hahn, Isidore Hibou, Harriet Groß, Hendrik Krawen, Simone Lanzenstiel, Axel Lieber, Markus Linnenbrink, Damien Marchal, Jean-Christophe Norman, Gilles Raynaldy, Jacob Reymond, Tilo Riedel, Marc Rossignol, Christiane Seiffert, Carsten Sievers, Alberto Sorbelli, Barbara Steppe, Pierre Sportolaro, Benedikt Terwiel, Barbara Wille, Peter Wüthrich, Georg Zey 

Opening: 6.10. 2018 from 6 to 10 pm.

MYRIAM EL HAÏK | The figure in the carpet | 8.12.2018 - 18.1.2019

Myriam El Haïk borrowed the show’s title from a Henry James novel. James’ “The figure in the carpet” got famous (even made it to an idiomatic expression) for its delicate lambasting of literature critics and its first-person narrator, in particular. Quite possible that there is a bit of a gentle jostle addressed to the wisenheimer of the art critics profession in El Haïk’s borrowing. However, when it comes to her art work there is good reason to take the metaphor of “The figure in the carpet” literally. Given her upbringing in Rabat and the continued ties to the Moroccan culture the production and aesthetics of Moroccan carpets have been an important point of reference for her work ever since. There is however a striking turn in the more recent work on show. El Haïk has taken some important liberties from the disciplined work of repetitive setting of invented signs in her earlier minimalist drawings and notations. This by times extremely laborious work (in particular when it comes to her wall drawings) much resembles the physically exhausting weaving of carpets. El Haïk is now taking shortcuts and replaces the stringent, perhaps even compulsive order of minimalist repetition by a fast, apparently joyful, and surely colourful play. This play runs  across floaty small-size drawings, hardly larger hard edge collages using 2 or 3 rectangles of diverse materials incl. coloured cardboard, origamipaper and plywood, but also paintings and frottages that explore vertical dual colour combinations and their tonal values. Her approach is unmistakably still minimalist with strong formal links to the aesthetics of Moroccan carpets but she is now walking under a bright Moroccan sun taking in the full and still evolving colour scales of Moroccan textiles.

Opening: 15.12.2018 from 6 to 10 pm.

KNUT ECKSTEIN | stupid // wonderful | 23.2. - 23.3.2019  

If one wanted to try the tempo indications of classical music it would be the range from vivace to presto. Which is obviously not just about the beat, it’s about how to perform the piece. Eckstein‘s pieces are of the temporality of the provisional: Quickly mounted - rather presto than vivace - and one could think only temporarily, like tents, always already anticipating their dismantling. Found card boxes, a diversity of discarded pieces of plastic, but also the bamboo canes that are iconic for Eckstein’s work, are among his more prominent construction materials. Rigged with strings, wired, glued with tape, they are turned into wall-mounted card box assemblages, into towering bamboo scaffolds, and more recently large wall drapes. Eckstein upcycles urban rejects drawing deliberately on what remains inscribed into these rejects: the aesthetics of carton packaging, global logos, which he retraces with colorful flashing LED queues, but also the imagery of faded glossy magazines. What has resisted time and weather is built into an architecture that could be inspired by the inventive poorness and necessity of refugee camps. A dystopian minimalism, that, however, indulges in baroque excesses, gives these rejects with a few quick brushstrokes a colorful make-over and with some stage accessories, such as the recurring plastic palm, a kind of homely touch. Bound by the lineation of strings, wires, cables and tape, the rejects blend into bizarrely dense interiors of extraordinary material and also physical coherence. It is tempting to come at Eckstein's work with a number of narratives, but none of them quite catches it. In the end his work is a strangely proliferating outgrowth of these urban rejects, surely his very own breed, and as the show‘s title puts it: stupid // wonderful

Opening: 23.2.2019 from 6 to 10 pm.

from left to right:

scetch for Akureyri art museum | interior with Hardoy chair + installationshot 'jamon', monochrome laserprint | big wallpainting 2015 (detail)

Du Und Ich, 2018
oil on canvas, 45 x 55 cm

HENDRIK KRAWEN | | 12.4. - 17.5.2019

Drawing, collage and all kinds of finds play a prominent role in Hendrik Krawen's work. Nevertheless, it is a painterly work and not only at the core. In its complexity, it always revolves around a break-in of reality. In the double sense: the break-in of reality into the picturesque space but also the break-in of the pictorial into reality. A mutual interplay of depiction and depicted, with moments of trompe l'oeuil, that is, the deception of the eye, taking also an enlightening turn, and at the same time the entry of real objects taking a pictorial turn.

The brownish-dirty patina of a small, wall-cut rectangle of layered wallpaper encounters an oil painting of medium format, presenting 6 different ornaments and giving the impression by primer and paint application, as if a piece of leather wallpaper had been stretched on a canvas frame. In the play on perspectives, too, the ever-subtle staging of the real exhibition space, which may incorporate works suspended far above the height of the head into a complex syntax of the exhibition scene, enters into a calculated interplay with the sometimes extreme shortening of the top and lower views in Krawen's highly suspended pictorial spaces. And he draws his horizons. In front of his large-scale oil paintings with meticulous drawing of giant tankers floating on the sea one looks into a greenish shimmering sky that leaves at the bottom of the painting not even a strip of water. In the exhibition space, the deep horizon, hidden in the picture, returns as a discarded baseboard covered with ox blood or otherwise brightly colored; remains here again of some old flat with the greasy patina of many decades.

Reality in Krawen's work is not depicted but simulated in that perfectly real materiality of a painterly and graphically exquisite parallel universe. Like 'Alice in Wonderland' one falls into a fundamentally different perspective on the world - and returns with it.                                                                                                     

Opening: 12.4.2019 from 6 to 10 pm.

succès, 2018/19
cover cut-out, 319 x 154 cm

ULLA HAHN | succès | 25.5. - 22.6.2019


Until today, Ulla Hahn's work is about the picture (in a way as opposed to the image), and Hahn’s pictures still find their peculiar, always contingent validity, their virulence, through an ultimately sculptural process of taking away, removing, cutting. The more recent works on show from the years 2018/19 make use of found pictures, mostly record covers, which are cut back to a postcard format. Cut means here, as in movies, also the montage. The title-giving and space-dominating work, 'succès', consists of 300 portraits of women and it looks much alike a turned around memory game. Faces from perhaps six decades that all seem familiar. Not because there are a number of 'celebrities' mostly from other times among them. Rather, because they are worn, appear with the faded color of an early piece of a vinyl record collection. They are pictures that already come in a state of being remembered, like the pictures of a collection that has been looked at time and again. However, by no means they follow the order of a collection. On the contrary, like any really passionate collecting, they oppose a final order. Collecting does not come to an end and pictures to their validity and virulence only as some kind of tilting figure. As a hinge and itself a tilting figure the term 'succès' returns across the 300 portraits in different typefonts and also in English spelling; and it drives the seefaring through this sea of pictures. And then one moves back and the almost 4 by 2 meter memory game of the 10 x 30 faces turns into a complex composition of muted color-fields.

Opening: 25.5.2019 from 6 pm.

BARBARA STEPPE | Montag, 9:30 | 24.8. - 21.9.2019                                                                                            


Balls are at the centre of Barbara Steppe's show. At first glance they suggest being in a ready-made paradigm. However. Faced with these lingering, pumped out, where there were once colours, now already faded remnants of sporty and playful desire one senses at once that they are not what they pretend to be. They do dominate the space and not just because they turn up in packs, four or five of them. It is also this physical desire to respond to the almost urgent invitation to try a pass, a shot on goal or a basket throw. And yet, one knows, these balls are not out of service, they have never been able to serve. The closer examination confirms the first irritation: they are ceramic casts of found balls and only the elaborate watercolour painting, which perfectly imitates the represented object, has given them access to the art context. It is only through this trompe l'oeuil that the desire to kick or throw finds its peculiar physical inspiration, which does not just sit on the deceit of the eye. The body is wrong. And yet at the same time suspects that for even better reasons than the presentation in the gallery room suggests, it would not be advisable to try to kick the appetizing ceramic casts.

Opening: 24.8.2019 from 6 pm.

RICHARD VAN DER AA | Every now and then | 5.10. - 2.11.2019


Every now and then" is one of these idiomatic expressions, which, mostly as a sort of bad and difficult to fight habit, slip into the conversation. They are often perceived as some kind of embellishment of the language, but in many cases boil down to little more than a bizarre lack of precision. At the same time, one may find a downright poetic pleasure in how the literal meaning of the composite words resists their idiomatic meaning. There is little about the combination of "every now" with, on top of that, "(every) then", that suggests for the full phrase to somehow mean: occasionally. A not untypical idiomatic nonsense but again one can find pleasure in this linguistic mischief.

Richard van der Aa does. And the 'every now and then' isn’t just somehow slipping into his talk. Quite the opposite, he puts it most prominently as the exhibition title for his second show at Vincenz Sala, this time in Berlin. And the title can stand for his undertaking as a painter, which, contrary to the first appearance, is not at all about the desperate reeling off of some rigid program. Most delicately varied in colour, composition and choice of material, van der Aa is working on a recurring square with cut corners and edges in ever new twists. Minimalism and even more so hard edge painting are obvious references. Only van der Aa slips off the edge. He almost constantly paints over the rim. Maybe it needs a New Zealand childhood and youth and Dutch roots to spark this form of ironic refraction. But it is precisely this calculated failure, which, with inimitable understatement, sets the scene for the meticulous drawing, shaping and colour composition in his work. Van der Aa has an exquisitely balanced comedy, which is at the very cen­­tre­­­ of the profound seriousness of his work. Every now and then, he would probably add.

Opening: 5.10.2019 from 6 pm.

La galerie Vincenz Sala présente du 30 octobre au 29 novembre     divers travaux d’Axel Lieber; sculptures, installations, collages qui permettent de donner une vue d’ensemble de la démarche de cet artiste. Celle-ci repose sur des modes opératoires tels que l’objet trouvé, l’assemblage, le montage d’images, le détournement ironique.

A l’aide de matériaux et d’objets ordinaires, tissus, briques de Lego, rouleaux de papier, vêtement qu’il retravaille, Axel Lieber construit des univers fictifs proches des contes d’enfance à la lisière du merveilleux et de l’inquiétant.

Transposés dans de minutieux dispositifs, ces objets choisis pour leur extrême banalité, représentatifs d’un « univers en sommeil » semblent sortir soudain de leur léthargie.

En les libérant de leur fonction, Axel Lieber confère à ces objets une présence étrange qui perturbe notre perception du réel.

Vernissage le 30.10. de 18h à 21h.

VERZEICHNEN | Ursula Döbereiner und Harriet Groß
23.11. - 20.12.2019

"Verzeichnen" (miss-drawing comes close) presents new works by Harriet Groß and Ursula Döbereiner and is a prelude. We intend to make it an exhibition trilogy, presenting in a loose sequence works emanating from that vast area of drawing. For the programmatic stance of the gallery it is an important field and we have been playing on this pitch many times, in different line-ups. Once again we felt it would make sense to have a title where we bend the verb drawing by adding a prefix. Just over a year ago, we opened our new space in Berlin with a group exhibition under the title "aufzeichnen" (meaning mainly recording). Döbereiner and Groß already participated in that show. "Aufzeichnen" was still about some sort of objective representation. It was amongst other things about documenting, if only the process of drawing. The title "Verzeichnen" is meant to open other perspectives. On the one hand, it obviously refers to the Freudian slip, which, as we all know, is about the unconscious chipping in and delivering a most meaningful slip. However, in the works on show in "Verzeichnen" other gremlins come in and surely also artistic strategies putting them on stage and integrating the slip into the artistic process. On the other hand there is the “Verzeichnis” (the directory), which creates order and direction, but only its own. The entries tend to resist and irritate this order by bringing in sense.

Opening: 23.11.2019 from 6 pm.

SEESTÜCKE | group show with works from Pablo D’Antoni

Hendrik Krawen, Tilo Riedel  | 15.2. - 14.3.2020


That it could be hung on the head was Goethe's comment and meant as devastating. A comment on Caspar David Friedrich's ‘The monk by the sea’, which, nonetheless, and to a large extent due to Kleist's enthusiasm gave quite a push to Friedrich's career. Not his monk, but instead the seascape genre and more generally landscape painting got turned upside down by Friedrich. Which over time resulted amongst other things in that the monk or whatever stood in these paintings for the human measure exposed to the forces of nature vanished from the imagery (see Richter’s seascapes in last year’s show in the Bilbao Guggenheim).

In the group show “Seestücke” (seascapes) this human measure may have changed sides, now standing next to the artist and viewer in front of the image. Yet, which way the seascapes have to hang is obvious. That is not the kind of abstraction they are guilty of. But it's still about measuring and, ultimately, variants of miniaturization of shrinking. That is where the somehow surrealistic detail of Hendrik Krawen’s drawing of giant tankers on his oversized, greenish shimmering canvases meets with the almost acrobatic artistry of the seascapes Pablo D’Antoni squeezes on (literally) nail heads. Megalomania of the kind you may know for instance from Hamburg’s miniature wonderland, the world’s largest model railway (see here), blows through these seascapes - and culminates in Tilo Riedel's upfolded paper model of a cruise liner measuring almost 3 meters presented behind a VIP barrier with a fat red cord, which, as it should be, hangs almost down to the ground between two fluffed up, golden posts.

“Seestücke” is about the real and man-made, examining different scales of turning it into this shrinked, megalomaniac wonderland on the other side of the VIP barrier. In the meantime not just the monk but also nature vanished from the imagery.

Opening: 15.2.2020 from 6 pm.


Modes of memory have long been an important topos for the gallery. So far, the focus has been mainly on the medium of drawing, especially as a record of the physical act of drawing. A testimony to a performance without an audience, recalling and retelling that event. In many ways a dance without choreography, drawing out the physical and finding its notation in the drawing. By times, it turns into a sort of inscription like tree rings, that remember the drought of last year’s summer for generations to come.

For Marianna Ignataki too, drawing is the primary medium of her artistic work. And the dance, the performance, is an important, recurring motif for the mostly large-size drawings in her solo show at Vincenz Sala. However, her sculptures, artfully put on from black hair, stand in the foreground. Breath-taking pieces reminding of totems. With bulging dark lips and swellings that emerge from black hulls and the overfilled hair. An only vaguely identified sex is present all over.

The subject of hypertriosis and hisurtism in Ignataki's drawings from previous years returns in these sculptures. The phenomenon is known from the hairy freaks that appeared in the sideshows of the beginning of the last century. Though, Ignataki's preoccupation was mainly triggered by her encounter with hair in the Chinese culture, during the years she lived in China before moving to Berlin. Eventually, hair became the key motif and material of her sculptural work. Again a memory that has become physical, and at the same time a layer of self well before the conscious and even the unconscious. What has happened is physically inscribed in the hair, quite similar to the tree rings mentioned before. But there is also the curl of the loved one carried in some distant past in a medallion. The curl that has grown out of life and the loved one, cut off and yet not dead, driving a hallucinatory often also olfactory recall.The loop in the title may have once tied the curl. It refers to the sprawling yet braided hair, which in Ignataki's drawings reach out for the other as physical extensions in a snake-wise fashion. It stands for the bond, not just a memory but this mysterious physical knowing of the loved one. Perhaps by times also replacing that loved one. The reference of the curl is the 'pars pro toto'.

Opening: 30.5.2020 from 4-9 pm.

Franz Jyrch | La Pittura

Berlin | 10.9. - 8.10.2011

Franziska Jyrch is an artist from Leipzig. Her work stretches across different media incl. installations, video and painting. With minimalistic interventions Jyrch leaves the two-dimensional image behind. Canvas and frame stretcher are no longer just picture carriers. They become spatial installations by rolling, cutting, folding and by the application of everyday items. By experimenting with both traditional and unorthodox materials Franziska Jyrch extends the formal and conceptual potential of painting and installation.

Opening 10.9. from 7pm.

ULLA HAHN | terry. pamela. rodin und andere

Berlin | 30.8. - 20.9. 2014

Opening 30.8. from 7 pm

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vincenz sala

sigmaringer str. 23

10713 berlin

tel.: 0176 615 220 31

december 2020 - may 2021

Les Ecrits | group show | 21 August to 17 September 2021

with works by Myriam El Haïk, Isidore Hibou, Katja Pudor, Pierre Sportolaro,   Saskia Wendland, Isabel Zuber


“Writing is drawing” says Tim Ingold (in 'Lines'). Of course, an important reference for the selection of drawings on show at 'Les Écrits' (after 'Verzeichnen' (end of 2019) and 'traumatic lines' (August 2020) the third and final edition of our trilogy of group shows on the extended field of drawing). However, the reference to Ingold, and also the exhibition title, leads astray in one respect: there is nothing to read! One may be able here and there to decipher a word or perhaps a brief sentence (e.g. Katja Pudor, Saskia Wendland). And more generally all the exhibited drawings have a typeface, are handwritten drawings (Isabel Zuber, Myriam El Haïk, and also Pierre Sportolaro's rather more seismographic recordings of a flight from Berlin to Paris). However, they lack the significance that is essential for writing. They are not text, and only rarely a readable word or short sentence shows up. Thus, whilst 'Les Écrits' provides ample evidence for Ingold's “writing is drawing” there is no drawing that would suggest an “… is writing”.

“Reading” these handwritten drawings must do without much linguistic meaning. It’s writing on this side of language and of the order of the symbolic. Writing in the realm of the allographic. Some sort of, obviously autographic, signature, though, not even bothered to put a name. Nelson Goodman (‘Languages of Art’) discussed at some length the distinction between the autographic and the allographic, emphasizing that for the latter the formal properties of what’s written are contingent, completely irrelevant for the meaning. Whether ink, pencil, or felt-tip pen, the color, size, and shape of the letters, all of these features are redundant, not relevant. The drawings presented at 'Les Écrits' offer nothing but that. Thus, the viewer of these drawings is pushed to follow, above all, the physical act of writing as recorded in the written image. It’s again drawing as a purely performative act, as doing, in some cases almost doing nothing (Sportolaro) and finally simply waiting (Isidore Hibou's 'Till Death Dries').

However, the viewer is well equipped for this kind of reading. Having undergone himself the lengthy and laborious exercise of learning to write is there to help. It’s in the dimension of the physical, of the own hand conditioned by that exercise of learning to write, that the viewer relates to these works. A kind of bodily tracing of the recorded act of writing in the shared world of the fine motor skills of the hand. A tuning in and resonating that refers to the automatisms ingrained in the viewer’s body and procedural memory. And one wonders how Roland Barthes' famous question about the romantic ‘Lied’ would have to be reformulated for this kind of drawing. The question was: "What sings to me, who hears, in my body the song?"

Opening: 21.8.2021 from 6 pm.

St. Georg | Andreas A Koch | 9 October to 9 November 2021


Mit St. Georg bestreitet Andreas A. Koch seine erste und späte Einzelausstellung bei Vincenz Sala. Spät kann man finden, weil beide, Koch und Sala, zum Personal eines Berliner Kunstbetriebs gehören, das schon zu Zeiten der 'Berlinzulage' - wie Christoph Tannert für seine Rückschau im Jahr 2018 treffend titelte - quicklebendig war. Natürlich ergänzen wir unbescheiden: und immer noch ist. Wir freuen uns um so mehr, dass ein dritter im selben Bunde, Peter Funken, zur Ausstellungseröffnung ein paar einführende Wort sprechen will.    

'St. Georg', der Titel der Ausstellung, verweist also nicht allein auf die heraldische Anmutung und St. Georg'sche Farbstellung der mit der Abbildung zur Ausstellungseinladung vorgestellten Werkserie, die es mit der Ästhetik des Fahrradflickens aufnimmt. Es geht auch um das Heroische der Unbeirrtheit, mit der Koch schon seit vielen Jahren die Erforschung des Unscheinbaren betreibt, wobei er trotz der langen Jahre nicht im Traum darauf verfiele, ein (drachentötendes) Martyrium zu beklagen. 

Koch arbeitet schon immer an der Entdeckung und Sichtbarmachung dieses Unscheinbaren. Seine Arbeiten sind überraschende Zeugen der Unerschöpflichkeit eines Alltags, der gerade in der Dimension des Unbeachteten kleine und zugleich großartige Sensationen zu bieten hat. Die konzeptionell stringente Fröhlichkeit seiner künstlerischen Arbeit widersteht jeder Versuchung, dem Betrachter mit abgeschlossenen Perspektiven heimzuleuchten. Kochs Arbeit formuliert für den Betrachter einen vergnüglichen Auftrag, für den er nun gar nicht behauptet, er hätte ihn selbst schon erledigt. 

Seine Pappkameraden mögen als passendes Beispiel dienen. Es ist Kochs Verdienst, die unendlichen Variationen immer schon übersehener Verpackungen seit nun fast zwei Jahrzehnten zu sammeln. 'St. Georg' präsentiert Exemplare dieser Sammlung, die von einer erstaunlichen minimalistischen Gestaltungswucht zeugen und zugleich an die abstrakt-expressionistischen schwarz-weißen Formeln eines Robert Motherwell erinnern können. Es sind Piktogramme, ungefähr menschliche Umrisse, zugleich vielgestaltige Schatten, die vielleicht auch auf biedermeierliche Scherenschnitte verweisen und jedenfalls, einmal entziffert als das was sie sind - Verpackungen - romantischen Witz zünden.     

Der überraschenden Enträtselung dieser kryptischen Formen steht mit Kochs Zahlenbildern eine Werkreihe gegenüber, die einem gegenläufigen Prozess der Verrätselung folgt. Es sind Arbeiten, die die lesbaren und jedermann gut bekannten Ziffern durch Überlagerung zu einer formalen Komplexität und exquisiten Unlesbarkeit verdichten. Dabei entstehen Kippbilder, die der Betrachter, beim Lesen des Titels dieser Arbeiten, sogleich auf die ihm ja bestens bekannten zehn arabischen Ziffern zurückführt. Eine Offenbarung, die dem schönen Zauber der verrätselten Form nichts anhaben kann. 

St. Georg präsentiert schließlich einige ausgewählte Solitäre, die mit Kochs unermüdlichen Ausflügen in die Oberflächen und Untiefen der Alltagswelt weiter bekannt machen. Ein schon lange währendes Unternehmen künstlerischen Recyclings, das eine Vielzahl der Zauberwesen, die unseren Alltag  bevölkern, aufpäppelt und dabei vielleicht zugleich dem ein oder anderen Drachen den Garaus macht. Kochs Arbeit bietet eine Schule des Sehens, in der man vor allem den gewöhnlichen Blick verlernt - und jedenfalls nie auslernt.

Opening: 12.6.2021 from 6 pm.


TILO RIEDEL | Kein Zimmer, Küche, Bad / Heizung Sanitär / Abverkauf / Schichten kälterer Luft / Albtraumschiff
/ Extrawurst / Tobmodells

27 November 2021 to 28 January 2022


To the overlong title, at least this much: Tilo Riedel is on all kinds of stages, including language. It is in this very domain that he has even won a prize for political poetry. (We’d love to provide you with an example but would certainly not want to try a translation of his lyrical work into English; go see the press statement for a German original). On his last solo show in 2012 at Vincenz Sala Paris we said: Tilo is railing (see our past shows). That didn’t change. And there is, of course, no end to railing (the show’s title is a case in point). However, with all these railing chants Tilo is still perfectly soft-spoken. His railing is more like a prayer, evidence of an ironic, by times sarcastic way of reading, and relating to, everyday world. And language, often combined with everyday images, is the stage. But there are other stages and a long history with stages. In the 1990s, Tilo enjoyed quite a carreer in theatre together with his sister, Jutta Riedel. They produced and co-directed their productions and the sets and costumes for these productions were amongst Tilo’s contributions. Most likely key to his conversion from minimalist painter to a “stage worker” constantly checking for the objects, furniture, images and - it’s theatre - the language we’re living with.   

We are very pleased that after Paris Tilo is now coming to Berlin for another solo show. It’ll be a stage again. This time a ramp, made of Euro pallets. With a slight incline. So it is sloping and in such a way that the “image-personel” on the ramp is in danger of slipping. The ramp is occupying most of the gallery space hence it does engage the viewer, who feels a bit just from looking at it.

Tilo's work (incl. in the section sculpture/installation) moves metonymically across the ramp, the stage, the linguistic and pictorial space into the seemingly offside. A movement that never reaches a firm end. A work that in its motion draws in everyday words, images, bodies and spaces, and in doing so finds its very own all-absorbing iconography. Eventually, that's how Tilo’s political poetry, his never-ending railing works, and how he creates images of persistingly irritating conciseness. Join us on the ramp!

Opening: 27.11.2021 from 6 pm.

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9 April to 6 May 2022


Hans is good at making a grand entrance. However, airy, ephemeral and yet baroque at the same time. With the long series of his yellow balloons, he is currently on show in the Kunstmuseum Bonn. Space-filling yellow splendour that drives the viewer into inviting confinement. Hans’ expansive works are of an intimist monumentality.

With Chatroom he invites the visitor to a scaffolding. ‘All Hallows Eve’, the scale replica of the famous walnut pulpit in the Benedictine monastery in Bamberg (a baroque feat dating back to 1756) made, once again, of airy styrofoam, is to be encountered up close, and at eye level. However, the holy staff that adorns the pulpit is found wearing the pumpkin heads of Halloween and equipped with laptops, the insignia of today's communication. A crucified cell phone, literally nailed to the gallery wall, takes up the theme. Above it, hovers a Bell UH-D helicopter, on a scale of 1:20, which proclaims the message "Jesus Allah Buddha loves you" over the Middle Eastern war theatre. These days we’re looking at another war theatre and in our immediate neighbourhood.

Hans’ work lays access points to a (formerly religious) naiveté of understanding long thought lost, which he turns to a pop-inspired secularism. The fact that he lifts the viewer from the depths of the nave to the eye level of the pulpit goes, of course, against all the from-above preaching of the fundamentalists and orthodox of today’s world. The pulpit remains empty (perhaps the tomb, too) and God dead.

Opening on 9 April from 6 pm | Covid 19 restrictions apply.